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Eclipse

¿Que poder decir de “Eclipse”, la tercera parte de la saga “Crepúsculo”? La historia se repite una vez más, Bella no sabe con quien quedarse si con el vampiro o el hombre lobo. ¿No pasaba algo así en “Luna Nueva”? Por eso, decide quedarse con los dos… o algo así…

“Twilight” generaba climas, pero a la vez era más naif. “New Moon” es mas abrupta, con más información y con muchos interrogantes que se abren. En esta entrega, se resuelven algunos enigmas, y se hablan temas que antes no, como el sexo. El sexo ahora es parte de la historia, o intenta serlo… Por lo menos, no aparece como sugestión, y se habla y hasta hay más de tres besos en toda la película, que ya es bastante. Bella tiene ganas, chicos! y la pobre viene sufriendo su virginidad, no con un novio, sino con dos!

Nuevamente Bella Swanson (Kristen Stewart) nuestra pobre mortal está en peligro, y éste es a los cuatro vientos, pero ella cuenta con su amado Edward Cullen (Robert Pattinson), y con su amiguito Jacob Black (Taylor Lautner). Ellos dos se harán amigos para proteger a la amada de ambos pero siguen siendo rivales naturales, según la escritora de todo esto, que así los dispuso. Y al mejor estilo postmoderno “Eclipse” les muestra a las adolescentes que es eso del mundo swinger, pero a los 17 años. La escena de la carpa podría ser una metáfora al respecto.

Lo bueno que tenia “Crepúsculo”, la primera, era esa sutileza en la estética de los personajes. Que proponía que te podías cruzar con un vampiro a la vuelta de la esquina y no notarlo. Rompía con el esteriotipo del vampiro en cuestiones visuales y en cuestiones de género, cosa menos notable en las últimas entregas.

Para los que esperan más, bueno acá hay más! Más vampiros, más hombres lobo, más acción. Pero también hay momentos de drama intercalados, con escenas de tensión logrando buenas atmósferas que rondan entre el amor y sus variantes (desamor, engaño, traición). Desarrollando la trama de una manera armoniosa que David Slade dirige y sostiene todo esto bastante dignamente, ubicando la cámara en lugares interesantes para dar curso de la trama, que a veces con diferentes tonalidades logra distinguir bien cada secuencia en particular.

Oceans

Imagínense el mejor documental sobre la vida acuática visto en “Discovery Channel” y fusiónenlo con la película “Fantasia”; esta es la grandiosidad que tiene “Océanos”. La segunda entrega de DisneyNature; la primera fue “Earth”.

Con imágenes realmente impactantes los directores Jacques Perrin y Jacques Cluzaud nos abren las puertas de una manera sorprendente y entretenida al mundo submarino. Con gran calidad estética y discursiva, vemos un horizonte oceánico confundirse con el cielo diáfano y brillante. Luego una feroz tormenta en el mar. Naufragando, nos elevamos, rozamos las nubes, llegamos a las estrellas y miramos toda la inmensidad con un satélite que, como nosotros, ve inmutable el espectáculo.

Una voz potente, pero agradable, nos introduce en tema. Esa presencia no interrumpe mucho, solo lo justo y necesario. La película muestra e instruye de una manera que los adultos entienden, y a los más pequeños les entre la curiosidad por preguntar y saber más. De hecho el señor mayor y el niño que vemos paseando en ese gran museo acuático, aprenden y se cuestionan a la par nuestra.

Como una ola gigante, una dura crítica es lanzada contra la contaminación de los mares, contra la matanza de los animales… Nos abre los ojos para que entendamos y tomemos conciencia. Después de disfrutar de tanta belleza, de tanto color, todo es gris y sin futuro a causa de grandes multinacionales que piensan que su caudal es eterno. Y si bien lo majestuoso e inmenso del océano es una realidad, nos muestran que todo eso, tan maravilloso y colorido, se puede terminar. De hecho, se esta terminando y algo hay que hacer. Y para ello compromete a cada sector de este planeta, ya que es un arduo trabajo de investigación y filmación alrededor de todo el mundo.

Durante el viaje una increíble musicalización y efectos de sonido nos transportan hacia ese mundo desconocido para muchos de nosotros. Los personajes son un sin números de animales marinos. Con las últimas tecnologías y cámaras especialmente diseñadas para poder seguir a los animales en todos sus movimientos, nos sumergimos en la aventura…

UN AÑO SIN VOZ

New York, I Love You

Vi “Paris, Je t´aime” y realmente me enamore de Paris y de la película. Me gusto el montaje, la idea, el guión, las imágenes, los colores, las luces, la interacción de las historias. Y si bien acá no se trata de una segunda parte, se podría catalogar así estéticamente hablando, ya que se mantiene la idea base de que distintos directores filmen pequeñas historias para que se entrelacen e interactúen entre sí transformando varios cortos en un largometraje…

“New York, I Love You” me parece que no se juega tanto como su antecesora. Me gusto mucho, pero me podría haber gustado más. Divierte, entretiene, muestra una ciudad que miles de películas no se cansaron de mostrar…

Pero acá vemos lugares que no vimos nunca antes de esa manera. Tal vez el encanto de todo esto radique en el hecho de que se trate de un proyecto donde interactúan varios y diferentes actores, conocidos o no tanto, y directores reconocidos o recién iniciados.

Hay que poner algo en claro, la diversidad artística tanto de los actores como de los directores. Una diversidad que se funde en todo un muestreo de personajes atípicos y solitarios, en una ciudad grande, pidiendo que los amen. Pero por suerte no de la manera clásica, obvia y algo tonta, la cual estamos acostumbrados, si no de una manera más espontánea, irónica, delirante, divertida e inteligente. “New York, I Love You”, amplía el rango de los que pueden y tienen el derecho a enamorarse, según cánones sociales cinematográficos comerciales, claro. Aquí no solo los jóvenes, lindos y ricos pueden amarse. Acá todos pueden amar y ser amados, o tal vez se trate de amar a la gran cuidad, ya que no se centra solo en el amor de pareja, sino que toma al amor y lo amplía, lo lleva a un concepto superior y lo engrandece.

Creo que “Paris, Je t’aime” tiene más clima amoroso con atmosfera de nostalgia, mezclada con un deje de tristeza; y ésta tiene un clima más de decadencia ciudadana con toques románticos. New York, I love you! pero podría amarte más!

Le Refuge

La película nos introduce vuelo directo a París. Nos lleva de paseo por sus calles y hace que nos encontremos con un dealer de heroína que esta haciendo delivery a altas horas de la noche, ahí nos presenta a Louis y Mousse que están totalmente destrozados a causa de las drogas (refugio donde se sumergen los personajes para hacer más llevadera la realidad). En ese momento imágenes ralentizadas, semejantes al estilo de producciones de moda, invaden la pantalla.

Luego nos transportamos a las costas de Francia donde la historia va teniendo otro sentido y otra dirección. Mousse, embarazada, viviendo en una casa (El refugio) sola, hasta que la visita del hermano de Louis, Paul, le cambiará su soledad absoluta por algo de compañía y diversión.

Por momentos en el film hay imágenes que simulan ser fijas, el personaje no se mueve, son solo unos segundos, pero nos remiten a fotografías, en su concepto y en su estética. Podrían ser y significar, un refugio donde se ubican los personajes para salir de la desprotección y del vacío existencial de sus vidas.

El director Francois Ozon crea momentos bien logrados en donde se generan distintas atmósferas con la justa medida de drama e ironía. En varios momentos, durante los diálogos, se corta el clima logrado, pero para mostrarnos las dificultades de los personajes a expresarse entre ellos.

El tema musical del film juega un papel importante para los personajes Mousse y Paul. Son ellos los encargados de cantar el tema, que es una melodía con tintes melancólicos que ayuda también a toda la atmosfera de esta buena pieza del cine francés actual.

Letters To Juliet

En Cartas a Julieta, no son pocas las coincidencias que giran en torno de sus protagonistas con la historia en algún punto inspiradora al libro luego devenido en película. La protagonista, Sophie, vive en New York, al igual que la cinta misma es norteamericana. Romeo y Julieta se sitúa en Italia, Sophie y su futuro marido, Víctor, van de luna de miel a Italia. William Shakespeare, autor de Romeo y Julieta era Ingles, al igual que Claire y su nieto Charlie. Aquí nada es casual. En muchas situaciones las coincidencias son obvias, el director y los guionistas se hacen cargo de esas obviedades en los diálogos y las acciones de los actores generando un guiño con el espectador, por ejemplo en la escena final con el balcón como protagonista, al mejor estilo Romeo y Julieta.

En la secuencia de títulos iniciales vemos fotos fijas de pinturas, de esculturas, fotogramas de película y de anime; en ellas vemos parejas besándose, muchos Romeos y Julietas a través del tiempo. Así nos introduce en el tema, diría yo que satura de romanticismo en poco tiempo, pero la verdad es que el film en general, a lo largo de su hora cuarenta, logra un buen equilibrio de amor, ternura, humor, comedia, y drama liviano; y eso no es poca cosa para ninguna película.

Tiene buena fotografía a cargo de Marco Pontecorvo, para el que quiera adentrarse en los paisajes Italianos. Todo el viaje lo hacemos con un buen popurrí de canciones clásicas y modernas, y de fondo, imágenes llenas de color que nos acompañan en todo el recorrido en busca de un hombre llamado Lorenzo.

A veces se exagera un poco la visión que tiene Estados Unidos de Italia, cosa que no es nada nuevo, ni nada raro viniendo de Hollywood. En general Hollywood exagera. Las actuaciones son buenas, pero ninguna que se destaque. En algunos actores secundarios parece un poco exagerada, me parece que el resultado final es más exageración de la que quisieron mostrar originalmente y eso puede jugar en contra.

Más allá de las obviedades con la historia que inspira esta película y con las semejanzas entre el gran escritor y los protagonistas de la historia; a la película hay que valorarla por lo que es: una historia entretenida que a veces cae en lugares comunes y en estereotipos, pero en líneas generales es una simpática versión sobre el amor eterno.

Wild Side

La película relata la historia de tres personajes, centrándose en la historia de Stéphanie y la relación con sus dos amantes, los tres hacen un relato interesante lleno de significantes.

La interacción de los protagonistas con otras personas no es más que el reflejo del vacío existencial que intentan llenar. Dos de ellos, a través de la prostitución que ejercen, buscan además de sobrevivir, una devolución del otro un “algo más” que no consiguen tener, generando más malestar, más vacío. Instalándose en la película un clima donde se bucea en el interior del Ser.

Los tres tienen relaciones bastante conflictivas con sus padres. Por esta causa se refugian inconscientemente en la estructura triangular (se puede ver como la estructura madre-padre-hijo) donde creen estar bajo alguna protección especial. En esa triada ellos se sienten seguros, protegidos, nada malo puede pasar. Aunque el mundo (privado) se este derrumbado a pedazos, ellos arman una fortaleza o castillo (recurrente juego imaginario infantil) donde todo es perfecto, o intenta serlo.

Stéphanie que anhela, y melancoliza constantemente el recuerdo de su padre y más fuertemente el de su hermana, y el de ella misma como varón, en temprana curiosidad sexual después devenida en transformación física.

Djamel es bastante misterioso tanto con sus amantes como con su familia con la que mantiene una relación conflictiva. Se siente profundamente atraído y con ganas de reincidencia con un señor que podría ser su padre, y con el cual no parece, o por lo menos no se muestra en el film, que este ejerciendo el trabajo de vender su cuerpo, labor que vimos antes de esta escena en particular.

Mikhail también tiene una relación familiar conflictiva, que niega. Mata verbalmente a sus padres, para ocultarlos, a sus amantes. Parece molesto o angustiado interiormente pero tampoco lo expresa demasiado, Ayuda a su inexpresión el hecho que no hable el mismo idioma que Stéphanie y Djamel. Intenta contener, aconsejar y ayudar a los integrantes del trío, pero se olvida de su propia contención y necesidad de ayuda.

Los juegos de ellos son juegos de niños, es como si estos tres personajes ya adultos, intentaran volver al momento donde la infancia fue interrumpida o robada. Se tiran entrelazados girando sobre el césped al aire libre. O corretean como tres niños donde están completos en ese juego, en esa estructura y en ese juego. Los varones juegan a la pelota e intentan imitar el boxeo. Mientras ella hace cosas que también las niñas experimentan en su infancia como el pintarse y arreglarse frente al espejo, transformándose.

El papel de la madre enferma de Stéphanie, y los recuerdos recurrentes de ella, nos muestran que los años pasaron; pero la nostalgia y la melancolía sobre la protagonista generan un vacío en el tiempo, como un tiempo congelado que no avanza.

Antes de morir la madre llega a traspasar y superar ese estado estático. Luego de recordar a su marido y a su hija, toma un almohadón y luego un saco que funciona como manta y los tira al fuego que estaba ardiendo en el hogar. Como simbolización de la manta que cubre y protege (esposo-padre de la familia) y el almohadón como cosa donde apoyarse y acomodarse objetivando a la hija. Con ese acto de cremación la madre logra exorcizar sus fantasmas, para siempre.

La película termina con ellos en el tren, camino hacia algo que no vemos, pero suponemos tendrá el intento de ir hacia alguna verdad, sobre misterios tan grandes como la muerte, el sexo y tal vez el más grande de todos, la vida misma.

The Back-up Plan

Si esta película que se estrena en los cines era El Plan B no quiero imaginarme cual era el plan original.

Típica comedia donde chica conoce a chico. Se enamoran. Están más que felices y la vida no puede ser mejor. Pero se dan cuanta rápidamente de que vienen de mundos diferentes. Se separan. Luego vuelven a estar juntos porque se necesitan, y así están toda la película, con sus idas y vueltas. Con el primer beso que tarda en venir anteponiendo situaciones graciosas para descomprimir hasta que finalmente llega y todos contentos, bueno… ellos contentos.

La película va transcurriendo entre situaciones dramáticas, no muy profundas, que se entrelazan con escenas graciosas, o que deberían serlo. Situaciones realmente raras, casi imposibles, exageradas y totalmente inverosímiles. Creo que tiene mínimos intentos de chistes al estilo “Locos por Mary” salvando las distancias, pero los tiene. La escena dentro del baño con el perro, podría ser una alguna. Pero sin olvidar que aquí la protagonista es una mujer embarazada y esa mujer es Jenifer López.

Si bien la propuesta desde la idea, el guión, y hasta el afiche promocional, intentan advertirnos que si bien es una comedia romántica no es una comedia cualquiera, acá se altera el orden de las cosas, (primero ella queda embarazada, después ellos se enamoran y finalmente se casan) y eso supone hacerlo nuevo. No creo que sea tan así. La película termina con ellos como familia y prontos a casarse. Aunque podría leerse una secuela en la pequeña escena final, dudo y espero que no llegue a concretarse. De ser así, sería como muchas segundas partes de películas no muy fuertes; se harían con otros actores, con otro director, con menos presupuesto y pasaría directamente al DVD; cosa que no hubiera estado mal que ocurriera con esta película.

A Serious Man

Interesante historia esta que plantean los hermanos Coen sobre el Bien y el Mal, o sobre sus representantes religiosos Dios, y el Diablo. La frase inicial y la pequeña historia introductoria nos adelanta la acción, aunque no de manera directa claro, pero si de una manera artísticamente metafórica.

La banda de sonido con Jefferson Airplane con su tema “Somebody to love” nos introduce verdaderamente en lo que va ser la película y la trama principal. Luego como leiv motiv instrumental escuchamos unos pequeños pero sutiles acordes que se reiteran a lo largo de la película en distintas situaciones, que marcan la estructura del film.

La historia tiene tiempos lentos a lo que estamos acostumbrados, incluso en otras películas de los Coen el tiempo fluye de una manera distinta.

Humor negro, ironía, sarcasmo y acidez al estilo Cohen, es lo que sobra y marcan el relato poniendo comicidad en situaciones realmente embarazosas o que de gracia no tienen nada, pero la forma sutil y original de contarlas hace que el publico sonría y hasta ría a carcajadas por momentos.

Ethan y Joel Coen nos cuentan en una fabula moderna, temas universales y antológicos como el Bien (Dios), y el Mal (Demonio).

Hacer el bien, lo correcto, lo que dicta la sociedad, es lo que hace el profesor Lawrence 'Larry' Gopnik el sufrido protagonista, el bien esta representado por los rabinos, la familia, el trabajo, el hogar, el barrio, auque solo sea una visión superficial de las cosas…

El mal y sus tentaciones son representados claramente en personajes como la vecina (la señora Samsky) y el alumno (Clive). Pero también están presentes y ayudan al desequilibrio de Larry, el hijo (Danny), la hija (Sarah), el hermano (el tío Arthur), la mujer (Judith) con su futuro posible marido (Sy). Están ahí para poner a prueba al protagonista. Todos los actores en muy buenas representaciones de sus personajes, con un guión realmente inusual y distinto.

Las escenas del principio y del final nos hablan, con un montaje paralelo, lo que les sucede tanto el padre como al hijo. El final vuelve sobre el principio, volvemos a escuchar a los Airplane, vuelve el mismo estilo de montaje, pero ahora el hijo ya paso de la niñez  a la adultez y ya esta listo para algo más, algo así como la herencia que su padre le dejó. Los sueños del protagonista funcionarían como el negro devenir, adelantan y de alguna manera nos anticipa el tornado. Tornado como fuerza de la naturaleza (Dios) como castigo divino sobre los hombres por sus acciones desafortunadas sobre la Tierra.

Y para sacarnos una sonrisa, en un momento que se supone preocupante, los directores nos regalan esa canción que venía sonando. Corte a negro. Créditos.

Alice in Wonderland

  

Finalmente podemos disfrutar de esta película en la pantalla grande, y creo que si alguna vez me hubieran preguntado quien sería el indicado para hacer una adaptación de esta historia tan extraña y delirante, creo que sin dudas mi respuesta hubiera sido quien la terminó dirigiendo.

El director nuevamente busca refugio para la interpretación de sus personajes en su alter ego Johnny Depp y en su esposa Helena Bonham Carter, sus actores fetiches. Burton y Disney no es la primera vez que trabajan juntos, ni será la última ya que tienen proyectos en conjunto para un futuro cercano. Es interesante como los estudios Disney encararon esta nueva versión ya que la presentan como una “secuela” de la primera versión animada, no en el título, pero si en diálogos  al hacer referencia en varios momento que “Alicia ya estuvo allí años atrás”, y en la parte del pequeño flashback hacia el final de la película, mostrando imágenes que corresponden más al film de 1951 que al actual. En esta adaptación de “Alicia…” hay nuevas incorporaciones de personajes que en la película animada no figuran, como por ejemplo, la Reina Blanca.

Cuando la película empieza todo es muy correcto, vemos una Alicia pequeña y luego la vemos un poco más grande. Son interesantes los personajes que vemos en el “mundo real” y que nos adelantan la acción del “mundo maravilloso”.

Pero es recién cuando Alicia entra a su Wonderland que nosotros, los espectadores, entramos verdaderamente al mundo de Tim Burton. Oscuridad, colores saturados, atmósferas asfixiantes de ensueño, falsas perspectivas, estéticas muy Burtonianas que nos recuerdan algo a “The Nightmare Before Christmas” y a “Charlie and the Chocolate Factory” o una mezcla de ambos y nos envuelven de tal manera que hasta podemos sentirnos parte de esta aventura junto con su protagonista; la posibilidad de verla en 3D nos acerca más a esa sensación.

La estética general de la película nos remiten a la atmosfera de otros films de Burton como “Sleepy Hollow” (un claro ejemplo de esto son los árboles, que vemos durante el largometraje, con sus extrañas formas dejando en claro quien es el director aquí).

El personaje de Alicia, tanto en su actuar como en su estética nos lleva a pensar en esos personajes complejos de la factoría Burton. Ella es rara como Edward Scissorhands, es incomprendida como Sweeney Todd…Alicia, al igual que estos personajes, disfrutan más de estar solos que en compañía. Huyen de la dura realidad a mundos donde puedan estar más a gusto, o quizás peor aun.

La película se desarrolla de una manera fluida aunque creo que nunca termina de estallar, ni siquiera en la parte final. Aquí se cambia el partido de cricket por la batalla.  Escena que hace recordar a en parte a “The Lord of the Rings”. Toda esta escena esta dentro de parámetros geométricos que no vemos a lo largo de la película. La batalla se desarrolla dentro de una especie de tablero de ajedrez, los soldados están formados en filas, se ven cuadrados, rocas en forma de espiral y demás.

También en la película animada la cuestión moral estaba más mezclada, no se sabía quienes eran los buenos o quienes los malos. Sin embargo aquí se remarca mucho la idea moral del bien y del mal y en una historia como esta me parece hubiera estado bueno no distinguir tanto el bien y el mal, y que Burton jugara un poco más respecto a esta idea como ya lo había hecho en el pasado.

 

Precious: American Beauty

 

Relato duro y atroz sobre la vida de una joven norteamericana llamada Precious. Podría estar dentro de lo que se llama políticamente incorrecto. La historia no es el drama de una adolescente, es la realidad, y la realidad acá no se dramatiza se muestra lo más real y cruda posible. Apenas la película da inicio no nos da respiro y con cargamento pesado nos moviliza segundo a segundo. Intenta movilizarnos, y los logra. Con diálogos fuertes, violencia física y verbal. Imágenes de difícil digestión en todo sentido. Y cuando parece que más no podía pasarle a nuestra protagonista…no, hay más, siempre más.

La estética dentro de la casa de Precious es oscura, cerrada, claustrofóbica, ¡hasta huele mal! La cámara nos muestra con planos bien cortos y cerrados esta realidad, como tomándonos la cabeza y hundiéndonosla, nos ahoga con semejantes imágenes. Ante las situaciones violentas, la protagonista escapa con sueños angelados, transmutando esa durísima realidad. Sus sueños son luminosos, llenos de brillo, colores saturados y luz que quema nuestros ojos. Esa luz que no podemos ver pero que sabemos existe en ella, aunque sea para salir de ese infierno que es su hogar.

Y en el hogar, la madre y el padre. Pero sobre todo la madre que en vez de curar heridas mete el dedo donde más duele. Reviviendo los fantasmas paternos del pasado, de un pasado que se actualiza constantemente y se hace presente. La madre vive recostada en el sillón, mirando televisión, fumando, y gritándole a Precious y ordenándole lo que tiene que hacer, intercalando todo tipo de insultos. Parece que no escatimaron en la cantidad de los insultos, pero en la trama están bien justificados, y el relato les da lugar.

En un momento vemos que la madre se queda dormida frente al televisor prendido, en donde están pasando una película italiana, que no creo que esté elegida al azar. Aunque no es el caso de lo que estamos viendo, hace acordar al neorrealismo italiano, y ahí Precious se imagina una representación de ella con su madre en un nuevo intento de escape. Creo que en términos generales esta película funcionaria como un neorrealismo americano contemporáneo.

Precious nos muestra que a veces el paso por esta vida se hace duro. Se hace solitario. Pero sin embargo nos da un mensaje de esperanza. Más allá de que todo se este derrumbando a nuestro alrededor, podemos levantarnos y seguir, con la intención de construir una mejor manera de vivir.

The Crow

El Cuervo es una figura que inspiro a películas, series de televisión, músicos, cantantes, directores de cine, películas de animación, y dibujos animados…